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Ibrahim Maalouf et Sonia Mohammed-Chérif signent la musique de Fils de personne

Wed, 03 Jun 2026 20:10:00 +0000

Publié le 3 juin 2026 — Par La Radio du Cinéma

Dans son studio, Ibrahim Maalouf reçoit Sonia Mohammed-Chérif et David Marmier de la radio du cinéma pour raconter une aventure de musique de film à deux voix : la bande originale de Fils de personne, réalisé par Safy Nebbou. Au cœur de leur échange, une conviction partagée : la musique sert d’abord à viser juste, là où l’image se tait.

On pourrait croire qu’une co-composition démarre avec une partition. Ici, elle commence avec une idée de réalisateur. Dans l’interview, Ibrahim Maalouf raconte avoir été sollicité par Safy Nebbou — avec qui il avait déjà travaillé — avant que le cinéaste n’ajoute, presque en cours de route, une proposition qui change tout : écrire la musique en duo.

Une rencontre provoquée par Safy Nebbou, et acceptée sans calcul

Ibrahim Maalouf le dit sans détour : l’imprévu fait partie du métier. Il parle même d’un « super imprévu » quand la co-composition s’invite dans l’équation. L’idée n’est pas de superposer deux ego, mais d’installer un cadre clair pour que la création reste saine.

« Au début, j’étais très froid avec Sonia », confie Ibrahim Maalouf, avant d’expliquer qu’il voulait poser les règles du jeu pour “garder le cœur ouvert” aux idées de sa partenaire.

De son côté, Sonia Mohammed-Chérif décrit une collaboration vécue « à part égale », portée par une confiance qui, selon elle, donne de l’élan autant qu’elle rassure. Un duo n’efface pas les différences : il les met au travail.

Improviser, ce n’est pas “faire au hasard”

Chez Ibrahim Maalouf, l’improvisation n’est pas un slogan : c’est une discipline, une façon de savoir répondre au réel quand il se dérobe. À l’antenne, il rappelle qu’improviser, c’est surtout « faire face à l’imprévu » — y compris dans une salle de montage, face à une scène qui résiste.

Sonia Mohammed-Chérif prolonge l’idée avec ses mots : dans l’impro, il y a le partage, la confiance, l’écoute active. Des valeurs très concrètes quand il faut décider, sur une même séquence, quelle émotion doit passer en premier.

Le “point sensible” : la musique comme boussole émotionnelle

Le duo revient sur une question centrale : que fait la musique qu’aucun dialogue ne peut faire à sa place ? Ibrahim Maalouf parle d’une recherche du « point sensible musical » : celui qui accompagne l’image, mais aussi celui qui révèle ce que l’image ne formule pas.

Ibrahim Maalouf résume leur objectif ainsi : « Trouver la bonne émotion qui accompagne l’image… en particulier celle qu’on n’arrive pas à exprimer avec l’image et qu’on n’arrive pas à exprimer avec les mots. »

Dans cet aller-retour permanent, Sonia Mohammed-Chérif raconte avoir été surprise par la puissance de la “lecture sonore” : un même plan, une même durée, et pourtant une scène qui change de sens dès que la matière audio se déplace.

Une fabrication artisanale, à hauteur d’atelier

L’échange s’illumine quand le duo parle de méthode : des musiciens invités au studio, des essais, des couleurs testées pour le plaisir de chercher — pas seulement pour enregistrer. Sonia Mohammed-Chérif insiste sur cette dimension “atelier”, presque tactile.

« On avait une liberté qui était dingue », raconte Sonia Mohammed-Chérif, en précisant qu’Ibrahim Maalouf assurait aussi le rôle de producteur exécutif de la musique.

Ils évoquent aussi les indications très précises de Safy Nebbou : des choix instrumentaux, des “oui” et des “non” qui dessinent une direction. Exemple savoureux : une consigne “pas de piano”… et la tentation (assumée) de faire exister un piano quand même, parce que le film finit par le réclamer.

Repères et parcours : la trajectoire de Sonia Mohammed-Chérif

Sonia Mohammed-Chérif arrive dans ce projet avec une trajectoire qui réunit écriture, image et son. Elle raconte avoir étudié le cinéma, réalisé des courts métrages, et s’être formée au son : un bagage qui aide à parler le langage du plateau autant que celui de la composition.

Côté reconnaissance professionnelle, une précision utile : Sonia Mohammed-Chérif a reçu une mention spéciale dans la catégorie “Emerging composer” aux Apulia Soundtrack Awards 2025 (quatrième édition). Un signal qui éclaire son installation progressive dans le paysage de la musique de film.

Infos pratiques sur le film

Fils de personne (drame) est réalisé par Safy Nebbou, avec Romain Duris, ainsi que Master Sanpasiri Khosittachawanich, Vithaya Pansringarm et Cristiana Capotondi . La sortie en France est annoncée au 10 juin 2026 et la durée affichée est de 1 h 37 min.

À peine arrivé en France, le petit Mapring, quatre ans, perd sa nouvelle mère dans un accident de voiture. Thomas, dévasté, se retrouve seul face à cet enfant qui ne le reconnaît pas encore comme père. Il décide de retourner en Thaïlande pour retrouver la famille biologique de Mapring et lui offrir une nouvelle chance. Au cœur de ce voyage, une autre histoire se tisse : celle d’un lien fragile qui se construit, le face-à-face d’un père et d’un fils qui doivent apprendre à s’apprivoiser.

Sources (liens utiles) :

Photographie: David Marmier

Fils de personne, musique de film, bande originale, Ibrahim Maalouf, Sonia Mohammed-Chérif, Safy Nebbou, Romain Duris

Cannes 2026: comment le Prix de la meilleure création sonore écoute les films d’Un Certain Regard

Thu, 28 May 2026 07:00:00 +0000

Par Patrice Caillet • Publication: 12 mai 2026, mis à jour le 28 mai 2026• Cannes

Dans le tumulte du Festival de Cannes, un détail reste implacable: « Les oreilles n’ont pas de paupières », rappelle Christian Hugonnet. Fondateur de La Semaine du Son, il pilote à Cannes le Prix de la Meilleure Création Sonore, remis dans la sélection Un Certain Regard. Une récompense pensée comme un révélateur: écouter, c’est déjà voir.

« Le sonore est un créateur d’images »: la prise de conscience, côté salles… et côté rue

Christian Hugonnet le dit sans détour: la conscience du son progresse, « tous les jours un peu plus ». Le cinéma, selon lui, a intégré plus vite que la société un principe simple: le son fabrique du hors-champ, suggère une présence, installe une émotion, et parfois raconte avant l’image.

Il pointe un allié inattendu de cette “éducation de l’oreille”: le podcast. Un format qui, par nature, propose « du sonore qui donne de l’image » — et qui a, d’après lui, aidé un public plus jeune à comprendre que le son peut devenir « un élément de liberté ».

Un prix né à Cannes en 2017, pour un cinéma de découverte

Le Prix de la Meilleure Création Sonore est lancé en 2017, dans la sélection Un Certain Regard, lors du 70^e Festival de Cannes. Il est initié par Janine Langlois-Glandier, Costa-Gavras et Christian Hugonnet.

Son principe est clair: récompenser un réalisateur ou une réalisatrice — et non un technicien — pour la façon dont le son “porte” l’intention artistique, narrative et sémantique d’un film. Une nuance qui change tout, insiste Christian Hugonnet: le son ne se limite pas à la “propreté” d’une prise, il devient un choix de mise en scène.

Ce que le jury évalue vraiment: musique, ambiances, timbres… et micro-silences

« Le plus compliqué dans l’image, c’est le son »: l’adage circule sur les plateaux, et Christian Hugonnet l’assume. Un avion qui passe, un frottement parasite, une résonance indésirable… et toute la mécanique émotionnelle menace de se dérégler. À l’inverse, un son pensé, construit, dosé, “calculé”, peut donner au film sa respiration.

« Quand je démarre un film, je commence par le sonore des acteurs… le timbre des voix, c’est comme une symphonie. » — Costa-Gavras, propos rapportés par Christian Hugonnet au micro de La Radio du Cinéma.

Concrètement, le jury s’appuie sur une fiche d’appréciation et une notation de un à 5, explique Christian Hugonnet. Les questions posées couvrent un spectre large:

La place de la musique: est-elle juste, et surtout pertinente par rapport au récit et au sens?
L’intelligence des ambiances: un décor sonore qui informe, sans surligner.
Le timbre des voix: signifiant, lisible, “accordé” au film.
La spatialisation et la relation image/son: ce que l’on entend renforce-t-il ce que l’on comprend?
Les micro-silences: ces instants de respiration où le film laisse au spectateur le temps de saisir.

Pour le public, c’est une excellente grille de jeu: au prochain film, essayez simplement de repérer pourquoi une musique arrive à ce moment-là, ce que racontent les basses, ce que suggèrent les aigus, et ce que le silence vous laisse reconstruire.

Le jury 2026: six regards, une même écoute

Pour l’édition 2026, La Semaine du Son annonce un jury présidé par Vincent Maël Cardona, accompagné de Barbara Pravi, Laurent Couson, Janine Langlois-Glandier, Jean-Luc Peart et Christian Hugonnet.

Quelques repères: Vincent Maël Cardona est notamment le réalisateur de Les Magnétiques; Barbara Pravi apporte une sensibilité d’autrice-compositrice; Laurent Couson est compositeur et chef d’orchestre; Janine Langlois-Glandier préside le Forum Médias Mobiles; la CST (Commission supérieure technique de l’image et du son) est citée pour l’expertise métier.

Les films concernés: toute la sélection Un Certain Regard 2026

Le prix se concentre sur Un Certain Regard . La sélection 2026 aligne un ensemble de films de découvertes et de signatures émergentes.

Parmi les titres annoncés dans Un Certain Regard, on retrouve notamment: Teenage Sex and Death at Camp Miasma de Jane Schoenbrun (film d’ouverture), Mémoire de fille de Judith Godrèche, Quelques mots d’amour de Rudi Rosenberg, ou encore Ulysse de Laetitia Masson (film de clôture). (Source: liste Un Certain Regard 2026.)

Palmarés 2026

Le film Elephants in the Fog, du réalisateur népalais Abinash Bikram Shah, a reçu le Prix de la Meilleure Création Sonore 2026.
Présidé par Vincent Maël Cardona, le jury de cette 7ᵉ édition réunissait notamment Barbara Pravi, Laurent Couson, Jean-Luc Péart, Janine Langlois-Glandier et Christian Hugonnet.
Le prix a été attribué à l’unanimité au cinéaste népalais pour la singularité sonore de son film.
Le jury a salué « sa forte identité sonore, son rythme, sa musicalité et la grande émotion qui s’en dégage ».

À quoi sert ce prix, au fond? À apprendre à écouter le cinéma

Si ce Prix existe à Cannes, c’est aussi pour rendre visible un paradoxe: le son paraît “évident”… jusqu’au moment où l’on découvre qu’il se fabrique, s’écrit, s’oriente, s’équilibre. Christian Hugonnet le formule simplement: respirer, c’est naturel; écouter un film, ça devrait l’être aussi — mais ça se travaille.

Cette démarche s’inscrit dans l’action plus large de La Semaine du Son, fondée en 1998 par Christian Hugonnet, et engagée dans un partenariat officiel (statut de consultation) avec l’UNESCO depuis août 2024. (Sources: Relations avec l’UNESCO – La Semaine du Son, Présentation – La Semaine du Son.)

Infos pratiques: calendrier et annonce du palmarès

Le Festival de Cannes a lieu du 12 au 23 mai 2026. La cérémonie de remise des prix Un Certain Regard est annoncée au vendredi 22 mai 2026, en salle Debussy.

De son côté, Christian Hugonnet indique au micro de La Radio du Cinéma que la remise du Prix de la Meilleure Création Sonore est prévue le matin du vendredi 22 mai, au Salon des Ambassadeurs du Palais des festivals.

À suivre: la rédaction de La Radio du Cinéma relaiera le palmarès dès qu’il sera communiqué par le jury. En attendant, un conseil tout simple pour vos séances cannoises (ou vos projections du mois): avant de juger une scène, écoutez-la. Parfois, c’est le son qui tient la caméra.

Festival de Cannes 2026 • Prix de la meilleure création sonore • Un Certain Regard • Christian Hugonnet • La Semaine du Son • musique de film • design sonore • ambiance sonore • voix • silences • Vincent Maël Cardona • Barbara Pravi

Sources

La correspondance de la Marquise de Sevignan par les élèves de l'école de GRIGNAN

Tue, 26 May 2026 20:30:00 +0000

Podcast enregistré par les élèves de l'école de Grignan, dans le cadre du Festival de la Correspondance.

Vincent Gantois : « Quand je peins, j’écoute des films », Bixhope Art au Porsche Casting de Deauville

Tue, 26 May 2026 04:25:00 +0000

Deauville a le chic pour faire dialoguer les images. Début juin, la station accueille le Porsche Casting et, dans ce décor face à l’Hôtel Royal Barrière, l’artiste normand Vincent Gantois (Bixhope Art) présente un travail revendiqué, intégralement manuel. Sa boussole, il la formule avec une simplicité désarmante : « Quand je peins, j’écoute des films ».

Le rendez-vous est calé du cinq au sept juin 2026. Sur la promenade de Deauville, le Porsche Casting affiche sa 10e édition et met cette année un coup de projecteur sur les 30 ans de la Porsche Boxster. C’est dans ce cadre que Bixhope Art annonce sa présence, avec des œuvres où la carrosserie se lit comme un plan de cinéma et où le souvenir collectif devient matière.

Un autodidacte qui mise sur le geste, sans écran comme filet de sécurité

Vincent Gantois est un autodidacte, passé par une reconversion tardive : il commence à peindre en 2019. Dans son atelier, pas de tablette graphique : son langage passe par des marqueurs Posca, des Pro Marker et un aérographe. L’idée n’est pas de dresser un procès du numérique, mais de rappeler, dit-il, qu’une œuvre se fabrique aussi avec « humilité » et « passion », à partir d’une idée, puis d’un temps long.

Automobile et cinéma : la voiture comme personnage

Dans l’entretien, Vincent Gantois déroule un générique personnel où la voiture n’est jamais un simple accessoire. Il cite la Ford Mustang d’« Un homme et une femme », l’imaginaire de « Bad Boys : Ride or Die » (avec un clin d’œil assumé à Porsche), l’ADN de James Bond, ou encore la mythologie pop de la DeLorean de « Retour vers le futur ». Même « Christine », la voiture possédée filmée par John Carpenter, surgit dans la conversation comme un rappel : au cinéma, la tôle peut avoir du caractère.

« J’écoute des films » : une madeleine sonore signée Steven Spielberg et John Williams

La phrase qui donne son titre à l’article vient d’une anecdote très concrète. Enfant, Vincent Gantois raconte qu’il se cachait pour écouter les débuts de films sans les voir, laissant le son fabriquer les images dans sa tête. Il évoque un choc différé : « Les Dents de la mer », réalisé par Steven Spielberg, qu’il découvre adulte, après avoir usé un 33 tours de la musique de John Williams.

Aujourd’hui, cette habitude s’est muée en méthode : il travaille avec des bandes-son, des dialogues, des rythmes de scènes. Il cite aussi une création récente consacrée aux « 40 ans » de Retour vers le futur : il dit connaître le film par cœur, au point de pouvoir le faire vivre sans image, uniquement à l’oreille. Une manière de rappeler qu’un plan, avant d’être une image, reste une durée, un tempo, une respiration.

Claude Lelouch, Pierre Gasly : quand les rencontres valident une trajectoire

Le parcours de Bixhope Art s’est aussi construit au contact de passionnés bien identifiés. Des personnalités comme Pierre Gasly et Claude Lelouch possèdent quelques unes de ses œuvres.

Une signature récurrente : « Bull The Dog » comme figure de récit

Dans l’univers Bixhope Art, un personnage revient comme un cameo de film culte : « Bull The Dog », un bulldog anglais multicolore, annoncé comme signature visuelle. Il sert de repère, de clin d’œil, parfois de contrepoint, dans des compositions qui jouent sur la mémoire populaire et la passion mécanique.

Deauville en juin, puis Deauville en septembre : un même décor, deux manières de rêver

Le calendrier est parlant : début juin, l’automobile prend la scène avec le Porsche Casting. Début septembre, la ville se met à l’heure du Festival du cinéma américain de Deauville, du 4 au 13 septembre 2026. Deux atmosphères, un même décor, et une passerelle naturelle pour un artiste dont les tableaux revendiquent le cinéma comme carburant.

Mata : Eye Haïdara incarne une agente de la DGSE dans le thriller d’espionnage de Rachel Lang

Sun, 24 May 2026 21:09:00 +0000

Au cinéma le 27 mai 2026, Mata signe le retour de Rachel Lang au long métrage, avec Eye Haïdara dans le rôle-titre. Blessée au Niger lors d’une opération clandestine, Mata revient en France avec une blessure qui ne se voit pas : Antoine, son compagnon incarné par Raphaël Personnaz, a été capturé. Affectée à la Sécurité intérieure, elle mène une mission de contre-espionnage dans les Alpes, convaincue qu’un fil relie ce dossier à l’embuscade africaine.

Dans l’entretien accordé à David Marmier Rachel Lang résume le trajet secret qui mène à ce film : « J’avais trois rêves quand j’étais petite : être agent secret, être championne du monde de course et écrire des livres. » Pour la course, le cinéma n’a pas vraiment répondu présent. Pour l’écriture, Mata coche les cases avec une précision de montre suisse et la tension d’un couloir sans issue.

Rachel Lang, le secret comme matière de cinéma

Réalisatrice et scénariste de Mata, Rachel Lang prolonge ici un motif qui traverse déjà son cinéma : les corps engagés, les vies sous contrainte, les silences qui pèsent autant que les dialogues. Le film prend la forme d’un thriller d’espionnage, mais son moteur intime tient dans une question simple : que reste-t-il d’une personne lorsque son métier lui impose de taire, de dissimuler, de compartimenter ?

Rachel Lang ne cherche pas à transformer le renseignement en gadget spectaculaire. Elle avance plutôt dans une zone de frottement : l’engagement, la solitude, la loyauté, le doute. Elle explique avoir voulu rester « dans le point de vue de ce personnage qui n’a pas accès à tout » et qui lutte contre « un système » ou « une machine ». Cette idée donne au film sa boussole : le spectateur n’en sait pas davantage que Mata. Il avance avec elle, au même rythme que ses soupçons.

Eye Haïdara, Mata face au mur du renseignement

Dans le rôle de Mata, Eye Haïdara incarne une agente du service action de la DGSE. Autour d’elle, la distribution réunit Joséphine Japy dans le rôle d’Héloïse, Raphaël Personnaz dans celui d’Antoine, Hakim Jemili dans celui d’Émile, Pierre-Antoine Billon dans celui de Lucas, Juliette Chaigneau dans celui de Carole, Chloé Jouannet dans celui de Jeanne et Mélanie Laurent dans celui d’India.

Pour nourrir ce rapport au secret, plusieurs comédiens ont suivi un stage clandestin de trois jours et trois nuits, encadré par un ancien de la DGSE, avec exercices de mission, absence de téléphone, d’identité officielle ou de carte bancaire. Rachel Lang raconte que cette immersion a placé les acteurs dans « un état d’adrénaline, de nécessité et de tension absolue ». Romain Lacourbas, directeur de la photographie, dit avoir perçu sur le tournage une cohésion nouvelle, mais aussi une forme d’écran professionnel : lorsqu’on leur posait des questions, « la seule réponse était le silence ».

Cette préparation explique l’un des grands axes de lecture du film : les personnages ne jouent pas seulement avec le secret, ils habitent un monde où chaque information possède un prix. Mata veut savoir. Les autres savent peut-être.

Un contre-film d’enquête

Le slogan de la bande-annonce annonce la couleur : « Ne cherchez pas la vérité, vous ne la trouverez pas. » Rachel Lang l’assume pleinement. Elle parle même d’un « contre-film d’enquête », pensé moins comme une résolution que comme une expérience mentale. Au lieu d’aligner les révélations, Mata épouse la frustration, le soupçon, l’angle mort.

Ce choix donne une clé de lecture précieuse : il ne faut pas aborder Mata comme un simple puzzle à résoudre. Le film invite plutôt à ressentir la mécanique du cloisonnement. Rachel Lang le dit nettement : la DGSI et la DGSE sont des lieux de secret, de silence, de « non-besoin d’en connaître ». Dans cet univers, une porte fermée n’est jamais seulement une porte fermée. C’est une frontière mentale.

Romain Lacourbas, une image au service du récit

Face à Rachel Lang, Romain Lacourbas parle de son métier avec une phrase qui vaut manifeste : « On est juste des traducteurs et des serviteurs d’un script et d’une réalisatrice. » Directeur de la photographie de Mata, il ne revendique pas l’image comme démonstration. Il la pense comme une respiration secrète du récit.

Le langage visuel du film s’est construit autour d’une formule confiée par Rachel Lang : « crédible, réaliste, mais romanesque, pas naturaliste ». Tout est là. Mata veut tenir à distance l’effet de catalogue, sans renoncer à une puissance de fiction. Le réel inspire, le romanesque organise, la mise en scène relie.

Une anecdote de plateau résume cette alchimie. Pour une scène de couloir, décor sombre et froid, Romain Lacourbas propose de mouiller le sol. Rachel Lang raconte que ce geste a donné à l’image « une dimension qui n’a rien à voir » : le lieu devient plus anxiogène, plus mental, presque fantasmé. Un simple reflet suffit parfois à placer tout un récit.

Le cloisonnement et les visages qui se ferment

Dans Mata, les espaces racontent autant que les personnages. Un bunker, un bureau, un couloir, une salle qui semble trop calme : chaque lieu impose sa loi. Rachel Lang explique avoir voulu opposer deux mondes du renseignement : la DGSE, pensée comme un sous-sol militaire, et la Sécurité intérieure, plus moderne, plus verticale, plus administrative.

Ce contraste n’est pas décoratif. Il matérialise l’état de Mata : une femme revenue d’une opération traumatique, déplacée, surveillée, freinée, mais toujours en mouvement. Le film ne donne pas tout. Il suggère, laisse affleurer, puis retire. Comme dans certains grands récits d’espionnage, le silence devient une réplique. Un regard peut valoir dossier classifié.

Une héroïne de cinéma face à une machine administrative

Le cinéma d’espionnage aime les gadgets, les poursuites, les doubles fonds. Mata garde la tension du genre, mais Rachel Lang y ajoute une ligne plus intime : celle d’une femme qui refuse de laisser Antoine disparaître dans les marges d’un rapport confidentiel. Elle soupçonne ses supérieurs de retenir des éléments clés. Elle cherche, insiste, déborde le cadre officiel.

Cette obstination donne au film son mouvement. Mata ne se contente pas d’exécuter une mission. Elle interroge la logique même de l’institution : qui protège-t-on ? que sacrifie-t-on ? qui décide de ce qui doit rester dans l’ombre ? Dans l’entretien, Rachel Lang évoque les « soldats de l’ombre », ces personnes capables de mourir pour la France sans que le grand public connaisse leur existence. Le film leur adresse un éclairage de cinéma.

Infos pratiques

Mata est réalisé et écrit par Rachel Lang. Le film sort au cinéma en France le 27 mai 2026. Sa durée est de 1h38. La production associe notamment Nolita, Chevaldeuxtrois, Wrong Men, France 3 Cinéma et Marvelous Production, avec une distribution de Warner Bros Picture et Indie Sales.

Rachel Lang, Romain Lacourbas . Photographies: David Marmier, la radio du cinéma 2026

Robin Coudert, alias ROB - Rendez-vous SACEM au Festival de Cannes

Thu, 21 May 2026 18:34:00 +0000

À l’occasion du Festival de Cannes, le compositeur ROB revient sur son actualité marquée par deux œuvres aux univers radicalement différents : In Waves, film d’animation intimiste autour du deuil et du surf, et Sanguine, plongée dans un cinéma de genre plus viscéral et spectaculaire. Une diversité qui illustre, selon lui, toute la richesse de la musique de film, capable d’accompagner aussi bien les émotions les plus subtiles que les élans les plus intenses.

Au cours de cet entretien, ROB évoque sa méthode de travail, fondée sur un dialogue étroit avec les réalisateurs et réalisatrices, dont il se considère comme le traducteur musical. Pour le compositeur, chaque projet est une nouvelle exploration artistique, du quatuor à cordes à la musique électronique, au service d’une œuvre collective où la musique participe pleinement à la narration.

Il partage également sa vision du métier de compositeur, entre création solitaire et aventure collaborative, ainsi que son attachement à la reconnaissance du travail des auteurs de musique à l’image. Enfin, il dévoile ses prochains projets, notamment la série Glam Squad et une nouvelle collaboration avec le réalisateur Alexandre Aja.

Éric Serra célèbre toute une vie de musique et prépare une tournée événement

Wed, 20 May 2026 14:53:00 +0000

CANNES. Compositeur emblématique de plusieurs chefs-d’œuvre du cinéma français et international, Éric Serra était l'invité de Jenna Suru pour La Radio du Cinéma à l'occasion du Festival de Cannes 2026. De ses souvenirs cannois aux coulisses de la création musicale, en passant par sa prochaine tournée rétrospective, l'artiste a partagé avec sincérité sa vision de la musique, du cinéma et de la scène.

Présent sur la Croisette dans le cadre d'une rencontre organisée à la Fnac de Cannes, le compositeur de Subway, Le Grand Bleu, Nikita, Léon, Le Cinquième Élément ou encore GoldenEye a d'abord évoqué le lien particulier qui l'unit au Festival de Cannes.

« La première fois que je suis venu, c'était il y a trente-huit ans », se souvient-il avec émotion. Depuis, les passages se sont multipliés, entre projections prestigieuses, concerts et présentations de films. « Il y a toujours cette ambiance festive qui rend Cannes unique », confie-t-il.

Une tournée rétrospective pour revivre les grandes musiques de sa carrière

Si Éric Serra est présent cette année sur la Croisette, c'est aussi pour annoncer la grande tournée qui l'attend à partir de novembre 2026. Un spectacle ambitieux qui retracera l'ensemble de son parcours musical.

Le compositeur promet un voyage à travers les œuvres qui ont marqué plusieurs générations de spectateurs. Les thèmes de Subway, Le Grand Bleu, Nikita, Léon, Le Cinquième Élément, GoldenEye, Lucy ou encore Arthur et les Minimoys résonneront à nouveau sur scène, accompagnés de créations issues de ses albums personnels et de ses collaborations avec le Cirque du Soleil.

Pour donner vie à ce projet, une trentaine de musiciens seront réunis dans une mise en scène spécialement conçue pour célébrer près de quarante ans de carrière. Parmi les dates annoncées figure notamment un passage au Palais Nikaïa de Nice le 28 novembre.

Luc Besson, une rencontre décisive

Interrogé sur son parcours, Éric Serra rappelle que rien ne le destinait initialement à la musique de film. Instrumentiste avant tout, il découvre cet univers presque par hasard grâce à sa rencontre avec un jeune réalisateur nommé Luc Besson.

« Nous avions à peine dix-huit ans lorsque nous nous sommes rencontrés », raconte-t-il. De cette complicité naîtront plusieurs collaborations majeures qui marqueront durablement le cinéma français et feront de leur duo l'un des plus célèbres du septième art.

« La musique de film est magique »

Pour le compositeur, la force de la musique au cinéma reste intacte. Il rappelle combien une bande originale peut transformer la perception d'une scène et modifier profondément les émotions du spectateur.

« Une même scène peut devenir drôle, dramatique ou angoissante uniquement grâce à la musique », explique-t-il. Une puissance expressive qu'il qualifie de « magique » et qui continue de nourrir sa passion après plusieurs décennies de carrière.

Cette vision s'accompagne toutefois d'une conviction forte : la réussite d'une musique de film repose avant tout sur la relation entre le réalisateur et le compositeur. « Ce qui m'intéresse, c'est l'échange, la sensibilité commune », souligne-t-il, rappelant que ses collaborations les plus enrichissantes sont toujours nées d'une véritable complicité artistique.

La scène, son premier amour

Si ses musiques sont associées aux plus grands succès du cinéma, Éric Serra revendique avant tout son identité de musicien de scène. Une passion qui remonte à l'enfance.

« Mes premiers pas sur scène, je les ai faits à onze ans », raconte-t-il. Aujourd'hui encore, le concert demeure pour lui un moment irremplaçable. « Être avec les musiciens, créer la musique en direct et recevoir l'énergie du public, c'est complètement magique. »

À l'inverse, il décrit la composition comme un exercice solitaire, parfois difficile, fait de longues périodes de recherche avant l'émergence d'une idée. Deux plaisirs complémentaires qu'il compare avec humour à la différence entre jouer au tennis et lire un livre.

La sincérité avant tout

Questionné par Jenna Suru sur son public international, Éric Serra livre enfin une réflexion très personnelle sur le processus créatif.

Lorsqu'il compose, il ne cherche pas à deviner les attentes du public. « J'essaie d'abord de me faire plaisir à moi-même », explique-t-il. Une démarche fondée sur la sincérité artistique plutôt que sur la recherche du succès à tout prix. Selon lui, lorsqu'une œuvre touche profondément son créateur, elle possède naturellement davantage de chances de toucher les autres.

Une philosophie qui résume parfaitement le parcours d'un artiste resté fidèle à ses convictions, et dont les mélodies continuent d'accompagner l'imaginaire de millions de spectateurs à travers le monde.

La tournée rétrospective d'Éric Serra débutera le 13 novembre 2026 au Zénith de Rouen avant de s'achever le 6 décembre à l'Accor Arena de Paris, avec notamment une étape au Palais Nikaïa de Nice le 28 novembre.

Cannes 2026 : Damien Jouillerot, entre comédie historique, théâtre et passion de la création

Wed, 20 May 2026 13:27:00 +0000

CANNES. Rendez-vous pris avec le comédien Damien Jouillerot qui défend Les Caprices de l'Enfant Roi, la nouvelle comédie historique de Michel Leclerc attendue dans les salles le 24 juin prochain et qui savoure un retour à un registre qu'il affectionne particulièrement : celui de la comédie. Rencontre avec un acteur passionné, touche-à-tout assumé et amoureux des personnages.

Dans Les Caprices de l'Enfant Roi, qui imagine la jeunesse mouvementée du futur Louis XIV au cœur de la Fronde, Damien Jouillerot incarne le personnage du « Gros René », membre de la troupe de Molière. Un rôle qui lui permet d'évoluer dans un univers où se croisent, avec une liberté assumée, Molière, Cyrano de Bergerac et le jeune héritier du trône. « C'est une période que j'aime énormément », confie le comédien. « Et puis la comédie, j'adore ça. On croit souvent que c'est léger, mais c'est extrêmement exigeant. J'aime cette idée que la comédie, ce n'est pas drôle à faire, c'est compliqué à faire. »

Deux films, deux univers

Le Festival de Cannes 2026 offre à Damien Jouillerot une double actualité. À côté de cette fresque historique pleine de fantaisie, il figure également au casting de Sanguine, un film de genre présenté lors des séances de minuit. Deux projets radicalement opposés qui illustrent parfaitement son éclectisme.

« J'aime tous les styles de cinéma », affirme-t-il sans hésiter. Amateur de films fantastiques et d'horreur depuis toujours, il découvre avec enthousiasme un univers qu'il n'avait encore jamais exploré comme acteur. Une passion qu'il partage déjà avec sa fille de neuf ans, même s'il reconnaît devoir parfois tempérer son enthousiasme cinéphile.

Les leçons des grands

Révélé très jeune au cinéma, Damien Jouillerot a eu l'occasion de côtoyer plusieurs monuments du septième art français. De Jacques Villeret à André Dussollier, en passant par Gérard Depardieu, Jean-Louis Trintignant ou Isabelle Huppert, les rencontres ont forgé sa conception du métier.

Parmi les souvenirs qui l'ont marqué, il évoque volontiers Jacques Villeret. « Son texte était su à la virgule près », raconte-t-il. Une rigueur qui reste pour lui une référence. Mais au-delà de l'exigence artistique, il retient surtout l'importance du respect de tous les métiers qui participent à la fabrication d'un film. « Sans les gens dans l'ombre, il n'y a pas de cinéma. »

Dessin, écriture, musique : une même passion

Acteur, illustrateur, auteur jeunesse, réalisateur... Damien Jouillerot multiplie les formes d'expression. Un foisonnement créatif qui trouve pourtant une même origine : le goût des personnages.

« Quand je dessine, je crée des personnages et je leur invente une vie. Quand je joue, c'est exactement la même chose », explique-t-il. Une démarche qu'il prolonge également à travers l'écriture et la mise en scène.

La musique occupe également une place importante dans son quotidien. Amateur de chanson française, il cite spontanément Renaud, Jacques Brel, Georges Brassens ou encore Charles Aznavour parmi ses artistes de référence. « Je suis très attaché aux paroles », souligne-t-il.

Le théâtre, l'adrénaline incomparable

S'il refuse de choisir entre cinéma et théâtre, Damien Jouillerot reconnaît volontiers que la scène lui procure des sensations uniques. « Le théâtre, c'est le saut en parachute », résume-t-il. L'entrée en scène, l'absence de filet, le contact direct avec le public : autant d'éléments qui nourrissent son plaisir de jouer.

Habitué des planches, il rappelle avoir porté pendant sept ans le succès Les Crapauds fous et annonce sa présence au Festival d'Avignon cet été.

YouTube et les défis de la modernité

Plus récemment, le comédien s'est également lancé dans l'aventure numérique avec Dadarde, une série inspirée d'un ouvrage très personnel consacré à ses enfants. Un projet né d'une réflexion intime sur la transmission et l'amour parental.

S'il reconnaît volontiers ne pas être un spécialiste des réseaux sociaux, il estime néanmoins nécessaire de s'adapter aux nouveaux modes de diffusion. Avec humour, il confesse cependant avoir encore du mal à gérer les commentaires et les critiques qui accompagnent la visibilité sur Internet.

« La création m'a sauvé la vie »

Au fil de l'entretien, une conviction revient régulièrement : la création est bien plus qu'un métier. « Ça m'a sauvé la vie », affirme-t-il sans détour. Découverte à l'adolescence, sa passion artistique continue de guider chacun de ses projets.

Lucide sur la fragilité du métier d'acteur, il évoque également les périodes d'attente et les déceptions qui jalonnent une carrière. « Quand on ne travaille pas, on ne se sent plus désiré », confie-t-il. Une sincérité rare qui rappelle la vulnérabilité derrière les projecteurs.

Pour autant, l'enthousiasme demeure intact.

Et lorsqu'on lui demande quel conseil il donnerait à un adolescent rêvant de cinéma, sa réponse fuse avec simplicité : « Pose la farine et inscris-toi à un cours de théâtre. Peut-être que ça ne marchera pas, mais il faut essayer. On a le droit d'être en retard, mais on n'a pas le droit de ne pas y aller. »

Une philosophie qui résume parfaitement le parcours d'un artiste resté fidèle à ses rêves, de nombreuses années après ses débuts...

Propos reccueillis par Patrice CAILLET pour la RADIO DU CINEMA dans le cadre du Festival de CANNES 2026.

Cannes 2026 : James Gray retourne dans l’Amérique des années 80 avec Paper Tiger

Mon, 18 May 2026 18:57:00 +0000

Dans ce podcast de « La radio du cinéma », Quentin et Jérémy reviennent sur Paper Tiger, présenté en compétition au Festival de Cannes. Le nouveau film d’James Gray réunit Adam Driver, Miles Teller et Scarlett Johansson dans un polar familial situé dans le Queens des années 80.

Le récit suit deux frères aux trajectoires opposées qui se retrouvent mêlés à des affaires avec la mafia russe. Les chroniqueurs saluent une introduction tendue et efficace, portée par une vraie atmosphère de danger, mais regrettent que cette tension retombe rapidement. Selon eux, le film reste solide grâce à sa mise en scène classique et à son casting, sans toutefois atteindre le niveau d’intensité ou d’originalité attendu d’un film en compétition cannoise.

Le podcast insiste aussi sur la qualité de la reconstitution des années 80 : costumes, coiffures, voitures et décors plongent le spectateur dans une Amérique nostalgique marquée par le rêve américain. Les animateurs soulignent notamment la performance de Scarlett Johansson, impressionnante dans une scène finale particulièrement forte.

Au final, ils décrivent Paper Tiger comme un film élégant et agréable à suivre, surtout pour les amateurs de polars et de l’univers de James Gray, mais qui manque peut-être de tension et de moments vraiment marquants pour s’imposer durablement dans les mémoires.

Podcast enregistré dans le cadre du FESTIVLA DE CANNES par Jérémie Deprugney et Quentin Carrasco pour la Radio du cinéma.

Cannes 2026 : deux films pour raviver la mémoire de la Seconde Guerre mondiale

Mon, 18 May 2026 18:48:00 +0000

Dans ce podcast enregistré depuis le Festival de Cannes, les chroniqueurs reviennent sur deux films marquants consacrés à la Seconde Guerre mondiale : Moulin et La Troisième Nuit.

Le premier, réalisé par László Nemes, suit les derniers jours de Jean Moulin, de sa capture à sa torture par les nazis. Porté par Gilles Lellouche, le film impressionne par sa mise en scène oppressante et son traitement sensoriel de la violence. Les intervenants décrivent une projection éprouvante, où le public ressent physiquement la douleur et la tension.

Le second film, signé Daniel Auteuil, revient sur la rafle du 26 août 1942 orchestrée par le régime de Vichy. À travers une commission chargée de décider qui peut être épargné, le film interroge les choix moraux face à la barbarie et la manière dont chacun aurait réagi dans un tel contexte. Les critiques saluent particulièrement le travail sur la lumière, la texture de l’image et les détails réalistes qui renforcent l’immersion.

Au-delà des films eux-mêmes, le podcast pose une question centrale : pourquoi continuer à filmer la Seconde Guerre mondiale aujourd’hui ? Pour les chroniqueurs, ces œuvres restent essentielles car elles permettent de comprendre les mécanismes de la violence, de la peur et de la résistance, tout en faisant écho aux conflits contemporains.

Podcast enregistré dans le cadre du Festival de Cannes - Par Jérémie Deprugney et Laura Vandenhede

Full Phil, Quentin Dupieux - Hors Compétition

Mon, 18 May 2026 18:36:00 +0000

Dans ce podcast consacré à Full Phil, présenté hors compétition au Festival de Cannes, les chroniqueurs reviennent sur l’ambiance électrique de la séance de minuit et sur le nouveau délire absurde signé Quentin Dupieux. Porté par un casting international avec Kristen Stewart, Woody Harrelson et Emma Mackey, le film joue avec les codes du nanar, du fantastique des années 50 et de la comédie absurde.

Le récit débute par une fausse série Z volontairement grotesque avant de basculer vers une intrigue familiale pleine de dialogues interminables et décalés, marque de fabrique du réalisateur. Les intervenants saluent la maîtrise du comique absurde de Dupieux, capable de transformer des situations banales en moments hilarants. Ils soulignent aussi la manière dont le cinéaste se moque gentiment de la France tout en poursuivant son exploration des relations familiales et du cinéma de genre. Selon eux, le film reste fidèle à l’univers barré de Dupieux tout en étant plus accessible que certaines de ses œuvres précédentes comme Rubber ou Mandibules.

Podcast enregistré dans le cadre du Festival de Cannes par Jérémie Deprugney et Laura Vandenhede

Sir Daniel Winn raconte l’innocence face à la guerre dans “Chrysalis

Mon, 18 May 2026 16:21:00 +0000

Lors de cette interview accordée à l’occasion de la projection de son film Chrysalis au marché du film, l’artiste et réalisateur Sir Daniel Winn revient sur les motivations profondes derrière cette œuvre autobiographique.

Le film retrace son enfance au Vietnam dans les années 1970, pendant la chute de Saïgon. Sir Daniel Winn explique avoir voulu raconter cette période historique à travers le regard innocent d’un enfant de sept ans, sans dimension politique ni idéologique. Selon lui, ce point de vue universel permet au public de se reconnaître dans les émotions vécues par le personnage principal : la peur, la perte, l’espoir et la résilience.

Artiste reconnu dans la sculpture et la peinture, il considère le cinéma comme une extension naturelle de son langage visuel. Il décrit le film comme une succession de “milliers de tableaux en mouvement”, capable de transmettre des émotions de manière plus forte et plus universelle. Il souligne également le caractère exceptionnel du projet : c’est la première fois que le gouvernement vietnamien autorise un réalisateur extérieur au pays à tourner un film au Vietnam sur la période précédant 1975, en raison de l’authenticité de son récit personnel.

Au-delà de son histoire personnelle, Sir Daniel Winn affirme vouloir délivrer un message humaniste. Pour lui, la vie est faite de contrastes : il n’existe pas de bonheur sans souffrance, ni de lumière sans obscurité. Les épreuves traversées permettent d’apprécier pleinement l’existence et de laisser une empreinte positive sur les autres. Selon lui, c’est cette influence humaine qui constitue le véritable héritage d’une personne.

L’entretien aborde également la dimension émotionnelle du tournage. Le réalisateur évoque notamment la relation entre le jeune acteur incarnant son enfance et l’actrice jouant sa grand-mère. Il explique que revoir ces scènes dans les lieux réels de son passé a été extrêmement douloureux mais aussi libérateur, lui permettant symboliquement de faire ses adieux à sa grand-mère.

Enfin, Sir Daniel Winn revient sur la symbolique du titre Chrysalis. La chrysalide représente selon lui la métamorphose humaine : le passage de l’innocence à la maturité, de l’isolement à la renaissance. À travers l’image du papillon, il illustre le cycle universel de la vie, de la transformation et de la mortalité. Cette réflexion philosophique constitue le cœur du film et de son message sur la condition humaine.

Interview menée par Laura Vandenhede pour LA RADIO DU CINEMA

Rafiki à Cannes : « Congo Boy n’est pas un film misérabiliste, c’est un film d’espoir »

Mon, 18 May 2026 13:01:00 +0000

Présenté cette année au Festival de Cannes 2026, Congo Boy marque l’arrivée d’une nouvelle voix du cinéma africain sur la Croisette. Réalisé par Rafiki, le film, distribué en France par Jour2Fête, bouleverse .

Au micro de Patrice Caillet pour La Radio du Cinéma, le cinéaste est revenu sur cette œuvre largement autobiographique, inspirée de son propre parcours de réfugié entre le Congo et la Centrafrique.

Dès les premières minutes de l’entretien, Rafiki tient à préciser l’intention de son film : « Je n’ai pas voulu faire encore un autre film sur un Africain qui ne fait que pleurer. Ce n’est pas un film misérabiliste, c’est un film d’espoir. »

« Je raconte ma vie »

Dans Congo Boy, le personnage principal, Robert, est un jeune réfugié confronté à la violence, à l’exil et à la précarité. Une histoire qui rejoint directement celle du réalisateur.

« Je raconte ma vie parce que je suis réfugié moi-même », confie-t-il.

Rafiki explique avoir grandi en Centrafrique après avoir fui le Congo avec sa famille. Ses parents, accusés de faux papiers à la frontière, ont été emprisonnés. Lui-même a été victime de violences armées : « J’ai réellement reçu une balle. (…) Aujourd’hui encore, quand il y a un bruit qui ressemble à un coup de feu, ça me revient. »

La musique a pourtant été un salut. Grâce à un concours organisé avec le soutien de l’UNICEF, il parvient à réunir l’argent nécessaire pour faire libérer ses parents. Une expérience fondatrice qu’il transpose dans le film.

« Aujourd’hui je vis toujours comme un réfugié, mais j’ai espoir. »

Entre documentaire et fiction

Avant Congo Boy, Rafiki s’était fait remarquer avec le documentaire Nous, étudiants. Une sensibilité documentaire que l’on retrouve dans sa mise en scène.

« La fiction est venue vers moi », explique-t-il.

Pour conserver la vérité de son vécu, le réalisateur a choisi de tourner dans les quartiers où il a grandi, avec des non-professionnels et parfois même les véritables protagonistes de son histoire.

« La tante Zara dans le film, c’est ma vraie tante », raconte-t-il. « Les militaires qu’on voit sont de vrais militaires avec de vraies armes. »

Avec son chef opérateur Adrien Lalo, il a également cherché une caméra proche du documentaire : « Je voulais quelque chose de très proche du réel, caméra à l’épaule, avec la liberté d’improviser. »

« Être à Cannes, c’est parler de notre pays »

Pour Rafiki, la sélection cannoise dépasse largement sa trajectoire personnelle. Elle représente aussi une visibilité inédite pour le cinéma centrafricain.

« On n’est pas un pays de cinéma, on est une nouvelle génération qui fait des films », affirme-t-il.

Le réalisateur espère ouvrir une porte pour les cinéastes qui viendront après lui : « Quand quelqu’un dira qu’il vient de Centrafrique, peut-être qu’on pourra répondre : “Ah oui, on connaît un film de votre pays.” »

Mais Congo Boy porte aussi un message politique fort sur la condition des réfugiés en Afrique. Rafiki rappelle une réalité souvent invisible : tous les réfugiés ne cherchent pas à rejoindre l’Europe.

« Il existe aussi des réfugiés qui quittent un pays africain pour aller dans un autre pays africain. »

Il évoque notamment les milliers de réfugiés vivant depuis plus de vingt-cinq ans en Centrafrique, abandonnés faute de financements internationaux : « Beaucoup perdent espoir et meurent. »

Malgré tout, son discours reste porté par une forme de dignité lumineuse : « Les réfugiés ne sont pas des mendiants. Ce sont des jeunes qui n’ont pas choisi cette vie. »

Et d’ajouter avec émotion : « Je suis fier d’être réfugié parce que je suis un voyageur. Je suis fier d’être Congolais, je suis fier d’avoir grandi en Centrafrique. »

« Aucun enfant ne mérite ça »

En conclusion de l’entretien, Rafiki élargit son propos à tous les enfants victimes des conflits dans le monde.

« Un enfant n’a pas sa place sous les coups de feu », dit-il avec gravité.

Qu’il s’agisse de la Centrafrique, de Gaza, de l’Ukraine ou d’ailleurs, le réalisateur rappelle que les guerres volent l’enfance : « Aucun enfant ne mérite ça. »

Sans prétendre changer le monde à lui seul, il croit profondément au pouvoir du cinéma : « Si ça peut susciter un regard, parler aux gens, aider à prendre conscience… alors ce sera déjà énorme. »

Avec Congo Boy, Rafiki signe un premier grand geste de cinéma : un récit profondément personnel qui transforme la douleur de l’exil en un puissant élan de vie.

Garance, Jeanne Herry - Compétition officielle

Mon, 18 May 2026 12:24:00 +0000

23 septembre 2026 en salle | 1h 45min | Drame

De Jeanne Herry

Par Jeanne Herry

Avec Adèle Exarchopoulos, Sara Giraudeau, Sarajeanne Drillaud

Podcast enregistré dans le cadre du Festival de Cannes 2026- par Laura Vandenhede et Jérémie Deprugney

Si tu penses bien de Géraldine Nakache - by Laura

Mon, 18 May 2026 12:03:00 +0000

Si tu penses bien

16 septembre 2026 |

De Géraldine Nakache

Avec Niels Schneider, Monia Chokri, Clémentine Célarié

Podcast enregistré dans le cadre du festival de Cannes par Laura Vandenhede